El modernismo brasileño de Tarsila do Amaral: color, cultura y arte

Desde nuestros orígenes, en Havaianas hemos querido difundir el auténtico espíritu de Brasil por todo el mundo. Nos hemos empapado de sus tradiciones, su naturaleza, sus paisajes, su gente… pero también de su arte: una de las más bellas formas de acercarse a la cultura de cualquier país.

Una vez más, hemos apostado por la obra de Tarsila do Amaral para representar el espíritu de Brasil. Tras incluir algunas de sus más emblemáticas pinturas en nuestras colecciones de 2012 y 2014, en 2019 volvemos a contar con su arte para el diseño de tres modelos absolutamente novedosos.

La artista retrata uno de los rostros más desatendidos de Brasil: su faceta primitivista y nativista. Y es que Tarsila do Amaral, como la figura esencial del arte latino que es, tiene la capacidad de encontrar la belleza a través del color y las formas curvas con las que refleja la tradición del país, sus leyendas y su naturaleza. Todo ello mediante un estilo propio claramente influenciado por el cubismo de su maestro francés, Fernand Léger.

El modernismo brasileño de Tarsila do Amaral: color, cultura y arte

Descrita como "la pintora brasileña que mejor alcanzó las aspiraciones brasileñas de expresión nacional en un estilo modernista", Tarsila do Amaral nació en Capivari en 1886. Cuando tenía dieciséis años, su familia se trasladó a Barcelona (España), donde la artista pintó su primer cuadro. Sólo dos años después, Tarsila regresó a Brasil y, tras su divorcio con André Teixeira Pinto, empezó a trabajar en el taller del escultor William Zadig en 1916. Durante cuatro años estudió dibujo y pintura con Pedro Alexandrino y con George Elpons.

A partir de entonces despegaría su carrera como artista: en 1920 se instaló en París y conoció a Émile Renard en la Académie Julien y a quien sería su maestro más reconocido: Fernand Léger, con quien completó lo que ella denominaba su “mili en el cubismo”.

El modernismo brasileño de Tarsila do Amaral: color, cultura y arte

En 1922 participó del Salón Oficial de los Artistas Franceses, y fue también en París donde realizó su primera exposición individual en la Galería Percier, en 1926. Fue en este periodo artístico cuando, a través de una de sus obras más conocidas, Abaporu (que, en lengua tupí-guaraní, significa “hombre que come hombre”), inspiró al movimiento antropofágico. Otro de sus cuadros más conocidos de esta época es A Cuca, que representa una leyenda brasileña con el característico arte naíf de Tarsila: la Cuca es un ser antropomorfo vestido de mujer que se lleva a los niños malos y que se hizo famoso en el país en 1921 gracias al libro O Saci, de Monteiro Lobato.

En torno a 1930 empezaría a centrar sus pinturas en temas de carácter social, creando obras como Conheça Operários o Procissão.

El modernismo brasileño de Tarsila do Amaral: color, cultura y arte

“Quiero ser la pintora de mi país”, escribió Tarsila do Amaral en 1923. Y, muy probablemente, lo consiguió: fue la primera artista latinoamericana en inaugurar una exposición de su obra en el MoMA, un museo que aún hoy le rinde homenaje por haber “inventado el arte moderno en Brasil”.

No es para menos: en su obra descubrimos una nueva forma de belleza a través de su característico estilo cargado de sensualidad, paisajes vehementes, escenas cotidianas y personajes nacidos de las entrañas de la imaginación apasionada de la artista; un espíritu que hemos querido transmitir en estos nuevos modelos.

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